标题：手艺人不应忘记作品的精神性与当代性

　　不久前，一场禅文化特展“尘尽光生”在上海举行，展出了陶艺、漆器等作品。配合展览的还有一组禅文化活动。此次展览的参展者和策展人的何来香，曾就职于台北故宫博物院负责展示诠释，也长期致力于将台北故宫博物院与产业和时尚结合。她在接受“澎湃新闻·艺术评论”采访时表示，中国的陶作，时常强调仿真以及技巧，比较多使用现成的材料或技术，作品本身，少了制作者的温度。当代手艺人在仿制传统器型时，不应忘记作品本身的精神性、当代性与美学。

　　2019年初，位于上海闵行区的星云文教馆内举办了一场“尘尽光生：禅文化特展”，展品涵盖当代陶艺、漆器与水墨画。与众不同的是，规模并不大的展览却包含了丰富的禅文化活动，如“优昙之花——当代仕女生活禅学日”、“禅食的文学意境”、“禅生活美学茶话会”、“无一物：煎茶道美风流”。其中，来自日本奈良的“美风流”煎茶道，将文学、绘画、书法、刻印、器物、诗歌等中国文人士大夫生活融入茶道，在日本煎茶道中独树一帜。这些精心配置的活动，令观众在欣赏展品之余，也吸收了传统文化与生活美学。

　　展厅内，通过作品的陈列方式，能看出策展人意图打破任何条条框框，让器物与器物、器物与观众，产生自然的对话与流动的气息，把展场变成另一个作品创作。

展览现场

　　此次展览的参展者和策展人的何来香，曾就职于台北故宫博物院负责展示诠释，也长期致力于将台北故宫博物院与产业和时尚结合。因为工作多次接触汝窑，也渐渐投身于陶艺研究和制作。她在接受“澎湃新闻·艺术评论”采访时表示，中国的陶作，时常强调仿真以及技巧，比较多使用现成的材料或技术，作品本身，少了制作者的温度。当代手艺人在仿制传统器型时，不应忘记作品本身的精神性、当代性与美学。此外，结合博物馆工作经验，她还分享了作为策展人如何将展览的影响，扩及到展场之外。

　　汝窑与陶艺：贯注全部心念

　　澎湃新闻：为什么选择仿制汝窑经典造型，它对当代人的审美与精神价值是什么？

　　何来香：选择汝窑作为创作目标，主要有几个原因。其一，台北故宫博物院的汝窑藏品数量在全球博物馆中是最多的。我因为撰写过展览介绍，有机会上手，所以对它有特殊的感情。其二，自12世纪汝窑问世以来，历朝历代都想彷制，即便过了将近千年，其美学仍然适用于当代，这很不可思议。深觉要成为后世的标杆，作品本身，必须在那个被创作的时代就是经典。美，是经得起时间的考验的。陶瓷在宋代得到非常好的发展，主要是当时的人具备的理想性格。

　　澎湃新闻：汝窑的天青釉色，极为高雅而完美，展览中却见到因烧制时瞬间温度不足而发色不均导致的所谓“残件”，你是如何从舍弃到接受这种不完美？

　　何来香：从现存的70多件北宋汝窑来看，烧制时间虽然只有20多年，但因为地理环境及烧制的条件因素，并没有一个完全不变的天青釉色。我在试釉的过程中，花了近3年的时间，从胎土到釉色，反复试，一直在找我想象的天青色。雨后乌云散开后的天空的颜色，其实是非常多变的。有些作品，因为窑内温度，有时受外部影响，使得原本还原焰的环境，发生改变，而有些作品，发色看起来不完整，但实际上，这种因为条件改变而变化的釉色，具有独特性，也很美丽。

何来香，仿汝窑钵

何来香，仿汝窑花器

　　澎湃新闻：高岭土是人们很容易想到的原料，但你为何选择了相对不易控制的材料，又是如何逐渐驾驭的？

　　何来香：高岭土，因为土质的关系，使得作品更容易成型，但缺点是以高岭土当汝窑的胎土，使作品看起来没有生气。因此，在既有的高岭土上，加入了其他的矿物质。虽然有时因为胎土所含的物质，会造成成品表面的气泡，变型或是斑点问题，但却使得作品更接地气，更具有生命力。

　　澎湃新闻：你曾专程到访汝州，当地的手艺人或“大师”给你什么印象？

　　何来香：我在2009年底去河南看清凉寺遗址，2010年也在浙江省考古研究所前所长的陪同下，参访杭州的老虎洞官窑遗址。发现大部分的手艺人在仿制汝窑时，时常忘了作品本身应该具备的精神性、当代性与美学。

　　澎湃新闻：对比观察，日本的陶人又是什么样的呢？

　　何来香：很佩服日本陶瓷工作者，他们对专业工作的态度，每一步都很扎实、不取巧。2005年，台北故宫博物院正馆改建工程完工后，举办了北宋大观特展，展出作品包含汝窑、北宋书画以及文献。同时，商借展出大英博物馆的展品，共同作为台北故宫博物院再启的开幕特展。展出的汝窑作品，除了台北故宫博物院既有的汝窑，同时从韩国以及河南省也借了不少展品，完整呈现汝窑的时代美学以及流转。在完成展览的推广之后，通过日本NHK艺术总监的介绍，得以就学于岛田幸一先生，期间主要是为了记录以及学习烧制汝窑的过程以及方法。除了胎土、釉料以及烧制方法，都实际参与。我还记得作品堆放入窑内后，在点火之前，大家一起祝愿并且将一切未知的结果交付给神时，我的心被牵动着。

　　岛田先生对仿汝窑的过程，有非常详细的记录，并且乐于与后辈分享。见学期间，参与繁重的陶作工作者，还有来自日本各地的陶艺家，大约五人。有些人远自九州岛来到静冈的山区，日以继夜为了完成汝窑的烧制而努力。我们的工作，除了轮流看顾炉火的曲线、捣土、还要锯木头等等。过程中，大家心里只想要为了完成作品，在各自的岗位上努力，除了烧陶之外，做饭、包饺子、烧热水等，大家各司其职，真的很难忘。

　　像岛田幸一先生一样，以手作为主的日本陶人，非常讲究从胎土的采集，到釉料以及烧制，全部都要亲身制作，这种对作品贯注全部心念的过程，完成的作品，被放在手上时，真的令人很感动。

　　中国的陶作，时常强调仿真以及技巧，比较多使用现成的材料或技术，使得作品本身，少了制作者的温度，这种感觉直接从作品就可以感受到。

何来香，仿青铜茶碗

　　澎湃新闻：在什么背景下，你选择了陶艺，你认为这一行的门槛有多高，它向普通人开放的程度？

　　何来香：我20岁左右就接触陶，除了动手制作，也喜欢收集名家作品。2001年考入台北故宫后，因研究的需要而重新接触。陶艺的工作，其实门槛并不高，但是若想在众多的作品中独帜一格，我认为美学、文化、历史、古器物学都很重要，因为作品，是直接传递作者心思的媒介，它最终成为工艺品还是艺术品，个人修为及追求还是主要的关键。

　　沉浸式展览：让作品与人对话

　　澎湃新闻：展陈方式的别致，展品的彼此对话，是我对这个小型展览比较深刻的印象。你觉得，策划一场展览，如何从展陈方式上提升其内容品质？

　　何来香：在我2001年加入台北故宫博物院时，当时展览呈现的方式比较单调，以研究以及陈列为主，而不是以观众为主要的考虑。从博物馆学的角度，展览的成功，除了有扎实的研究工作，还需要考虑如何引导观众学习，进而丰富观众的生命，因此架构一个立体的或称为沉浸式的展览，都是方法之一。主要是让观众能有更深一层的学习。因此，在我进入台北故宫博物院的前四年，花了比较多的时间，应用情境的方式做展览诠释，使展览变得更有趣，因此接触的面相以及学习非常多，包含陶瓷、青铜、书画、玉器等。展陈的思路，其实主要是如何从入口就要能引导观众入内，使得让观众愿意在空间里面待着，完成了这一部分，作品才能开始跟人对话，完成互动。

展览现场

梁峰漆器作品

杨键水墨作品

　　澎湃新闻：时下一个流行的词是“沉浸式展览”，我理解“沉浸”不仅是立体空间、多媒体手段，它可以广义地包括展览与观众的各种互动、融合。这次展览期间，“煎茶道”“禅食”“仕女生活”活动就很特别，请分享一下你的策展意图。

　　何来香：这一次的展览，其实是企图将作品创作背后的哲学，除了以展览的形式，用活动的方式让观众认识到，所有的创作，都源于一颗心，只有这颗心对了，创作的作品或是活动，才能感动人，即便它以不同的形式存在，器物也好，绘画也好，甚至是一杯茶，或是一朵花。

何来香，仿汝窑花型盘

　　澎湃新闻：策展人的繁忙与陶艺世界的宁静，是完全不同的。陶艺给你的生活带来了哪些变化？

　　何来香：创作的过程，其实是自己跟自己的对话，无关乎是绘画、陶瓷、多媒体装置艺术或摄影。我喜欢创作，过程中，我时常会想像，把自己放到北宋的环境下，按照古人的方式和审美并结合一些现代的方法来制作的。我们每一个人，都是宇宙间最美的创作，因此，创作也是与生俱来的。见真，是我的座右铭，也是我一生追求的目标。